Интерьер в живописи

Оригинально декорировать стену в наше время стало совсем несложно. Раньше приходилось покупать очень дорогие картины. А сегодня есть картины, которые внешне выглядят не хуже, но стоят гораздо дешевле. Современные технологии печати позволяют создавать репродукции высокой четкости не только на обычном холсте, но и на стекле и на ткани.

Выглядят такие изображения реалистично и привлекательно, однако картины, написанные художниками, также имеют место быть в интерьере гостиной комнаты. О том, как подобрать такой вид украшения на стену, мы подробно постараемся рассказать в данной статье.

Классика и современность, на что обратить внимание?

Картина в интерьере гостиной выглядит великолепно только в том случае, если она соответствует стилю оформления и цветовой палитре комнаты. Такой декор способствует созданию положительной атмосферы. Выбор идеально вписывающейся в гостиную картины может занять немало времени. Но результат будет стоить того. Ценителям классики, бесспорно, стоить выбирать картину среди известных полотен художников.

Определиться с выбором поможет альбом с художественными репродукциями, поход в музей, на выставку в галерею. Так вы сможете понять какой жанр искусства вам больше по душе. И уже после этого вы, не сомневаясь, сможете купить себе нужную репродукцию.

Любителям современных стилей в интерьере и не разбирающихся в живописи, выбрать картину очень трудно. Поэтому здесь уместно дать только такой совет:

Прислушайтесь к себе, что вы ощущаете при виде того или иного изображения. Только сердце сможет подсказать вам правильное решение.

В процессе написания картины художник вкладывает в нее свои эмоции и энергию. Потому если они вам близки, то вы это почувствуете, изображение, будто оживет на ваших глазах. Значит, это та самая картина для вашей гостиной. Приобрести картину современного художника можно и в галереи, и в художественном салоне. А иногда даже после персональной выставки у самого художника.

Выбираем сюжет картины

Независимо от того какое полотно вы решили повесить в гостиной: классического жанра или современного, очень важно выбрать его сюжет. Ведь картина на стене – это тот элемент в интерьере, который привлекает внимание и задает настроение. Изображение несет в себе информацию, которая может влиять на самочувствие человека. Его семейное благополучие и домашнюю атмосферу. Поэтому даже такой предмет в гостиной как картина, если ее не правильно подобрать может вызвать недомогание или другой негатив.

Люди, обладающие знаниями в этой области, умеют при помощи картины привлекать счастье и удачу в дом. Например, согласно учению фен-шуй, можно привлечь положительную энергию при помощи картин. Но только если они правильно развешены.

Какие изображения лучше всего подойдут для гостиной? Ответить на этот вопрос не так просто. В зависимости от ее расположения в комнате, картина может нести разное значение. Так в рабочей зоне гостиной можно повесить картину с изображением гор. Это будет говорить о надежности хозяина и его твердом характере.

Картина с изображением цветов и фруктов в обеденной зоне отлично украсит интерьер и привлечет в дом энергию здоровья, изобилия, радости и счастья. Для декора стен в комнате для приема гостей отлично подойдут пейзажи:

  • лес,
  • цветущие луга,
  • цветочные поля,
  • изображения водоемов (рек, озер, морей, водопадов),
  • и др.

Важно! Сюжет картины должен нести умиротворение и спокойствие. И не в ком случае не тревогу и негатив. Ведь такое изображение будет только угнетать. Вам не удастся расслабляться вечерами после трудных дней.

Несколько слов нужно сказать о портретах в интерьере гостиной. Их лучше всего вешать над камином. Портрет несет в себе энергетику человека, который изображен на холсте. Потому огонь камина не даст распространиться негативной энергии.

Если вы верите в приметы, то стоит обратить внимание на следующие советы. Не рекомендуется вешать портрет напротив входа. Это привлечет болезни в вашу семью. С особой осторожностью стоит вешать картины с библейскими изображениями.

Цветовая гамма картины и интерьер гостиной

Помимо всего выше сказанного картина в гостиной должна соответствовать стилю комнаты и ее цветовой гамме. Связующим звеном картины с убранством помещения может стать рама, выполненная под цвет мебели, текстиля или аксессуаров. Что касается цвета, то в гостиной с обилием красок лучше всего повесить картину нейтральных тонов, с небольшим цветным элементом в цвет фону гостиной. Такой декор на стене лишь подчеркнет стиль комнаты.

В гостиной, оформленной в нейтральных тонах (белом, бежевом, коричневом), можно акцентировать внимание на картине контрастного цвета. Например, красном или зеленом. В цвет к картине можно подобрать несколько аксессуаров того же цвета. Например, вазы или подушки на диван. И еще один важный момент при выборе картины на стену – изображения в светлых тонах визуально делают комнату просторнее. А в темных наоборот – компактнее.

Для того чтобы, добиться эффекта «большой комнаты», можно поэкспериментировать с панорамными изображениями 3D. Такие картины очень реалистичны. Примером может выступать картина с изображением окна, за которым зеленеет лужайка и светит солнышко.

Определяемся с размером

Определившись с жанром изображения и его цветовой гаммой, необходимо определиться с размерами картины, которые бы оптимально сочетались с размерами самой гостиной. Это довольно важный критерий при выборе полотна. Ведь все усилия по поиску нужной картины будут сведены на нет, если она окажется слишком большой или наоборот маленькой.

Итак, для гостиной с высокими потолками 3 и более метров подойдут вертикальные картины портретного формата. В обычных квартирах лучше всего будут смотреться картины средних размеров с горизонтальным рисунком. Рассчитать оптимальный размер, который должна иметь картина можно следующим образом.

Предположим, вы вешаете картину над диваном, тогда ширина полотна должна составлять половину ширины спинки дивана. Если картина будет ни одна, а две или даже три, например, модульный триптих, то занимаемая картинами площадь на стене должна составить 2/3. Остальная часть остается свободной. Такой четкий расчет важен по двум причинам:

  • во-первых, воспринимать картину нужно с определенного расстояния от нее. А значит, чем больше полотно, тем больше расстояние, которого в квартире может просто не оказаться;
  • во-вторых, если картины будут слишком большими, то гостиная будет казаться меньше. Или загруженной лишними деталями. То же касается и очень маленьких картин, которые на большой свободной стене могут просто потеряться.

Выбирая размер картины, не забывайте и о ее форме. Ведь если изображение будет иметь форму вытянутого прямоугольника, то и вся стена вместе со всем помещением может казаться вытянутой. А потолок при этом будет казаться ниже.

10 художников, которые покорили цвет

Картина квадратной формы визуально не меняет формы комнаты. Исключения составляют случаи, когда картина слишком большая. При таком варианте гостиная не только будет казаться меньше, может возникнуть ощущение легкого дискомфорта. Что нежелательно в комнате для приема гостей.

Итог

Подводя итог, отметим, что картина может стать той самой «изюминкой» интерьера гостиной, которая не только украсит внутреннее убранство комнаты в целом, но и станет связующим звеном, делающим более органичным дизайнерскую композицию жилого помещения.

Сложность выбора картины заключается не только в том, что нужно учитывать дизайнерское соответствие изображения по цветовой гамме, размеру, сюжету, интерьеру помещения, но и определить художественное соответствие такой картины духу вашей комнаты для приема гостей. Чтобы произвести правильный выбор картины в комнату для гостей нужно либо довериться своему тонкому вкусу. Либо, если вы в нем не уверены, обратиться к профессиональному дизайнеру.

Настенная роспись Древнего Рима существенно отличается от стенописи других народов античности. Римские архитекторы отдали стене роль объекта, разграничивающего пространство. При этом стена не только разбивает пространство, но и создаёт воздушную среду перед собой. Это аналогично тому, как цвет дна бассейна влияет на цветовую гамму воды в нём.

У римлян стена была не твёрдой опорой, а неким пространством, в котором существовала воображаемая, перспективная глубина. Здесь помещались изображения природы, исторические сюжеты, сцены из мифов. Стена должна была проецировать то, что воображали себе люди.

При императоре Августе был сооружен Алтарь Мира, который стал образцом римской стенописи. На четырёх стенах алтаря нарисованы фигуры и рельефы с растительным орнаментом.

Те части барельефа, которые выступают над плоскостью, тесно взаимодействуют с окружающим пространством, светом и воздухом. Плоскостные изображения создают иллюзию глубины: человек воображает, что он стоит не у ровной плоской стены, а как бы в нише. Таким образом, расписанная стена становится связующим звеном между тем, что есть на самом деле, и тем, что воображает, придумывает человек.

Для украшения в стенописи древнеримские живописцы использовали технику стукко, при которой изображение наносилось составом извести и мраморной пыли. Данная техника необычайно хороша для создания эффектов светотени и ярких художественных образов. Смесь стукко легко лепилась, а когда высыхала, превращалась в монохромную живопись.

КАРТИНЫ ДЛЯ ИНТЕРЬЕРА

Её применяли там, где нельзя было использовать традиционную роспись, то есть во влажных или тёмных помещениях. В технике стукко создано украшение базилики Порта — Маджоре в Риме.

Стили древнеримской стенописи

В стенописи древнего Рима ощущается влияние эллинских мастеров. В Помпее и Геркулануме почти идеально сохранились росписи, выполненные в подражание древнегреческим живописцам. В живописных изображениях римских художников присутствуют и другие влияния, но в целом в древнеримской живописи можно выделить 4 стиля.

1 стиль появился благодаря восточному влиянию. В нём присутствуют четырёхугольники, раскрашенные разноцветными красками. Эти фигуры имитируют мраморные блоки.

2 стиль более сложный в исполнении: над цоколем здания создавалась архитектурная перспектива. В неё нужно было вписать «картины», содержащие мифологические сюжеты. Эти картины сопровождались архитектурным или пейзажным фоном.

3 стиль «плоскостный», включающий сложные архитектурные построения. Здания при этом стиле стенописи приобретают фантастические формы, отличаются графичностью, нежностью, изысканностью колорита. Для этого стиля характерно включение вставок с контурными фигурками иногда чёрного цвета. Картины с фигурками не должны были сливаться с ровной поверхностью стены, для этого и создавалось перспективное обрамление.

4 стиль сочетает в себе архитектурно-перспективное построение 2-го стиля и насыщенный колоризм, усложнённую конструкцию, более похожую на театральную сцену.

Современные картины для интерьера

Инфотека — каталог популярной и научно технической информации, статьи, обзоры, пресс релизы, нормативные акты, СНИПЫ, ГОСТЫ. Строительство, недвижимость, строительные и отделочные материалы.

Тип информации: Статья
Дата: 06.02.2012
Регион: Россия
Отрасль: Стройматериалы
Специализация: Элементы интерьера

Художественная роспись стен – это самый оригинальный способ украшения интерьера. Сегодня, как и много столетий назад, огромной популярностью пользуются фрески. Конечно, дизайнеры и художники современности для изготовления фресок используют более новые, усовершенствованные материалы, но технология остается неизменной. Фактура фрески наносится исключительно вручную, поэтому такой декоративный элемент станет эксклюзивным украшением вашего дома. Декоративные фрески в интерьере квартиры или дома смотрятся очень стильно, богато и креативно, с их помощью вы сможете воплотить самые необычные художественные замыслы.

История фрески

Слово фреска происходит от итальянского «affresco» – свежий. Точный период возникновения фресковой живописи не известен, но зафиксировано, что уже во втором тысячелетии до нашей эры в Эгейской культуре такой декоративный элемент был довольно распространен и украшал многие дома и храмы.

Фрески – это монументальная живопись водяными красками по мокрой или сырой штукатурке, то есть свежей, отсюда и пошло название. Известь, которая входит в состав штукатурки, имеет в своем составе кальций, и при высыхании именно она образует необходимую защиту – кальциевую прозрачную пленку, что делает фрески долговечными. Также, для того, чтобы такое украшение прослужило не одно тысячелетие, многие художники античности поливали их горячим воском. Техника фрески очень сложная и требует особого умения, сноровки и четкого представления о композиции в целом.

В Древней Греции такие рисунки водяной краской по сырой основе (штукатурке) также были очень популярны. От греков искусство фресковой живописи перешло к древним римлянам, они добавляли в известковую штукатурку песок, а в самый верхний слой – мраморную крошку. Грунт наносили в семь слоев, каждый из которых просушивали, и лишь верхний идеально шлифовали, после чего сразу же, по свежему, художник начинал творить свои шедевры. Последний слой штукатурки наносили непосредственно перед нанесением рисунка. Строители наносили последний слов грунта только на такую площадь, которую художник бы успел нарисовать за один день, иначе штукатурка высыхала и рисовать по ней фрески уже было невозможно. Последние штрихи рисунка художник наносил уже после того, как высохнет основной.

История фресковой живописи в Византии и Древней Руси связана, в основном, с иконописью. Древние фрески сохранились до сегодняшних дней.

Современные фрески по своей красоте и элегантности не уступают художественным аналогам древности. Фрески в интерьере современных домов и квартир помогут вам создать невероятно уютную и благородную обстановку. Такой оригинальный и модный тренд станет достопримечательностью вашего жилища и креативным дополнением интерьера.

Фрески в интерьере квартиры

Фрески разделяются на несколько видов, которые отличаются друг от друга по технике воспроизведения художественной композиции, а также по используемым материалам. Следует отметить и тот факт, что современные технологии производства фресок позволяют изготовить полотно отдельно от стены, что делает их очень удобными и практичными.

Песчаные фрески

Песчаные фрески внешне очень похожи на старинные. Они изготавливаются на синтетическом, натуральном или флизелиновом полотне. Для того, чтобы получить оригинальную, напоминающую песок текстуру используют, мелкозернистую штукатурку. На такой поверхности цвета не меняются, они всегда очень яркие и насыщенные. Для сюжета таких фресок лучше всего использовать пейзажи или натюрморты. Если у вас интерьер выполнен в старинном стиле, фрески могут быть с эффектом старения. Для этого в некоторых местах снимают слой штукатурки, что позволяет создать впечатление потертости.

Вид фрески – кракелюр

Еще один способ создать эффект старины – это техника кракелюр. Фрески по такой технике получаются с цветным потрескавшимся рисунком. Для создания трещин, художники используют мраморную крошку. В зависимости от толщины слоя такого покрытия, создается иллюзия старения. Такой вариант фресок смотрится очень естественно и богато. Кракелюровые фрески с тематическими иллюстрациями или портретами подойдут для интерьера в стиле Ампир, а если подобрать абстрактную композицию, то она отлично впишется в современный интерьер хай-тек и подчеркнет неординарность гламурного стиля.

Фрески на эластичной основе

Фрески на декоративной эластичной основе создаются путем нанесения штукатурки на сетку из стекловолокна. Такая технология позволяет создать необычные, эластичные фрески. Они с легкостью монтируются на углы, и даже потолок, который выполнен в виде купола. Фрески на эластичной основе могут иметь разную текстуру, поэтому вы сможете подобрать идеальный вариант декоративной фрески, который гармонично впишется в интерьер любой из комнат.

Цифровые фрески

Цифровые фрески в современном интерьере – это новинка на рынке декоративных отделочных материалов. Они сочетают в себе потрясающий визуальный эффект и простоту исполнения. Монтаж цифровых фресок очень прост, нужно лишь снять защитный слой с заготовки и наклеить изображение на предварительно выровненную стену или специальную основу. Основа для цифровой фрески может быть самоклеющейся, жесткой, эластичной или флизелинофой. Органично и естественно такие фрески будут смотреться на основе из штукатурки.

Фрески на холсте

Для изготовления фресок на холсте используют только натуральные материалы: речной песок, известь, клей на растительной основе и хлопковые холсты. На основу из штукатурки наносится изображение, затем готовую фреску переносят на холст. Такие фрески могут продаваться в рулоне или на подрамнике. Поэтому украсить гостиную или спальню такой своеобразной картиной вы сможете самостоятельно, приклеив ее к стене обычным клеем для обоев.

Не бойтесь экспериментировать, разнообразьте фресками интерьер кухни, создайте роскошный интерьер гостиной или оживите атмосферу в спальне. Фрески – это универсальное украшение интерьера, которое никогда не выйдет из моды.

Источник информации: Дом мечты

Рекомендуем ознакомится: http://www.restko.ru

Многосеансный тональный рисунок фигуры человека с частью интерьера

Продолжительность работы не менее 10 — 12 часов.
Материал — по выбору.
Размер рисунка — не менее 35 см по длинной стороне.

В прежних заданиях вам приходилось все время рисовать фигуру человека, связывая ее с окружающим пространством. В одних случаях вы рисовали фигуру на фоне гладкой стены, в других вводили в постановку немногочисленные предметы домашней обстановки, в третьих рисовали человека в каком- нибудь действии вместе с той окружающей обстановкой, в которой находилась ваша модель.

В этом задании вы должны выполнить проработанный тональный рисунок фигуры человека вместе с частью интерьера. Если прежде вы рисовали интерьер, лишь намеком передавая пропорции и пространственные соотношения окружающих фигуру предметов, то теперь нужно сделать рисунок, в котором все до краев листа будет решено в тональных отношениях, все предметы в интерьере, находящиеся впереди фигуры (например, поверхность пола), а также по бокам и позади нее, должны быть поставлены на свое место в пространстве тональными средствами. Это не значит, что вы должны рисовать буквально все, что можно разглядеть в натуре, со всеми подробностями. Рисунок не требует такого протокольного перечисления мелочей, тем более что для полноценного тонального решения фигуры вместе с интерьером 10 — 12 часов — совсем небольшой срок. Значит, рисунок в целом будет обобщенным, все же ваше внимание должно быть направлено на верное построение и объемно-пространственное решение фигуры человека и выражение связи фигуры с окружающим пространством.

Вспомните, как вы рисовали интерьер с фигурой человека (задание из раздела „Интерьер"). Там нужна была фигура человека, чтобы сообщить больше живости передаче интерьера, чтобы острее охарактеризовать изображаемое помещение. В данном случае перед вами стоит обратная задача: здесь вам нужен интерьер для более полной характеристики изображаемого человека. Следовательно, все предметы интерьера, которые входят в ваш рисунок, играют подчиненную роль, являются вспомогательными средствами для решения главной задачи. Понадобится отбор из натуры тех предметов, которые помогут решить предстоящую задачу, и отбрасывание всего случайного, что может этому помешать.

Рассмотренные выше рисунки Репина и Врубеля


И.Репин. Швея. 1882. Рисунок.


М.Врубель. За чтением. 1903-1904. Рисунок.

могут служить примерами решения рисунка и в данном случае.

Всю постановку вы сделаете самостоятельно. Можете рисовать человека в домашней обстановке, в производственной, за работой или в интерьере клуба, читальни- словом, так, как сочтете для себя наиболее интересным.

  • Когда постановка будет сделана и вы приступите к рисунку, решите прежде всего, на какой глубине от первого плана рисунка будет помещена фигура, какая часть интерьера войдет в изображение.
  • Решите также соотношения между размером фигуры и размером листа так, чтобы человек был композиционным центром вашего рисунка.
  • Наметив место и границы фигуры в рисунке, сразу начинайте строить интерьер, чтобы с самого начала работы вам было ясно местоположение человека среди предметов обстановки.
  • Намечайте также крупные предметы, затем возвращайтесь к построению фигуры, а несколько продвинув рисунок вперед, опять вернитесь к интерьеру, уточняя основные направления и пропорции различных предметов.
  • Так все время не спеша работайте над всем рисунком равномерно, чтобы фигура все время связывалась с окружением, как бы жила в нем с самого начала до конца работы.
  • Тональное решение тоже ведите постепенно и равномерно по всему рисунку, все время следя за тем, чтобы дальние предметы не вылезали вперед, чтобы предметы, окружающие фигуру, не забивали ее.
  • Возможно, что на первоначальное построение не хватит одного сеанса. Тогда, не жалея времени, продолжайте строить рисунок второй и даже третий сеанс.
  • Не спешите с вырисовыванием деталей и не перегружайте рисунок излишней чернотой, ведите его осторожно, сдержанно, но не боясь, решительно. Перечерненный рисунок потом трудно править, а если вести сдержанно, можно потом всегда дать необходимый контраст в полную силу тона.
  • Старайтесь все время держать в поле зрения всю часть интерьера, которая входит в ваш рисунок, чтобы не терять возможности постоянного сравнения.
  • В рисунке А. Иванова „В мастерской художника" (т. 1, илл. 18) вы видите обобщенное тональное решение рисунка фигуры в интерьере. Этот рисунок может служить примером композиционного решения, в котором фигура человека играет главную роль и вместе с тем органически связана с окружающим пространством. Этой же теме посвящена картина голландского художника Адриана ван Остаде „Живописец в мастерской" (т. 1, илл. 1). И здесь человек является главным действующим лицом, а его фигура композиционным центром, несмотря на то, что фигура сравнительно мелка по отношению к размеру холста и предметы окружающей обстановки проработаны более детально.

  • Так как у вас может не быть возможности далекого отхода от натуры, требуемого для того, чтобы охватить взглядом такую большую часть интерьера, советуем включить в рисунок небольшую часть помещения, а фигуру человека взять более крупно по отношению к листу (примерно как в рисунке А. Иванова).
  • Этот рисунок является итогом всей вашей работы над рисунком фигуры человека. Поэтому отнеситесь к нему с полным вниманием. В работе над сюжетной картиной и портретом вам придется решать интерьер в связи с содержанием композиции и характеристикой изображаемых людей.

    Натурный рисунок фигуры в интерьере является необходимой ступенью для решения этих задач, а будучи удачным, может сам перерасти в выразительную композицию.

    Вы на сайте- paintmaster.ru

  • Вводная беседа о изображении человека
  • Наброски головы и фигуры человека
  • Наброски фигур людей
  • РИСУНОК ГОЛОВЫ ЧЕЛОВЕКА

  • Предварительное задание по рисунку головы
  • Выбор и постановка натуры, компоновка рисунка и этюда
  • Строение головы
  • Последовательность работы над рисунком головы
  • 1.Рисунок головы в одном положении, с разных сторон

    2.Многосеансный тональный рисунок головы человека

    3.Многосеансный тональный рисунок головы при рассенном освещении

    4.Тональные рисунки головы разных людей в разных положениях

    5.Два рисунка головы разных людей при различном освещении

    6.Рисунок головы человека кистью в одном цвете

    ЖИВОПИСЬ ГОЛОВЫ ЧЕЛОВЕКА

  • Предварительное задание. О живописном этюде головы.
  • 1.Два-три непродолжительных этюда головы

    2.Этюд головы человека при мягком освещении

    3.Этюд головы человека при контрастном освещении

    4.Два многосеансных этюда головы разных людей

    5.Многосеансный этюд головы человека с предварительным этюдом в цвете

    РИСУНОК ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА

  • Строение фигуры человека
  • Выбор модели и постановка натуры
  • Компоновка рисунка и этюда
  • 1.Наблюдение фигуры человека в разных положениях (сидящего, стоящего, в несложных движениях)

    2.Непродолжительные рисунки фигуры стоящего человека в разных положениях

    3.Непродолжительные рисунки фигуры стоящего человека с разных сторон

    4.Тональные рисунки фигуры стоящего и сидящего человека

    5.Тональные рисунки сидящего человека в различных положениях

    6.Тональные рисунки обнаженной фигуры

    7.Рисунки фигур людей разного возраста

    8.Многосеансный тональный рисунок фигуры человека с частью интерьера

    ЖИВОПИСЬ ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА

  • Живопись фигуры человека
  • 1.Непродолжительные этюды фигур разных людей

    2.Два этюда фигуры человека при различном освещении

    3.Два этюда фигур разных людей

    4.Этюд полуфигуры человека в несложном действии, с натюрмортом

    5.Этюд фигуры человека с частью интерьера

    6.Четыре- пять этюдов фигур людей на открытом воздухе

    7.Многосеансный этюд фигуры на открытом воздухе

    8.Этюд обнаженной фигуры человека

    ПОРТРЕТ

  • Портрет
  • СЮЖЕТНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

  • П.Федотов и его картины
  • Понятие композиции. Тематическая картина, ее жанры и основные компоненты.
  • 1.Беседа о сюжетной композиции

    2.Сюжет и его разработка

    3.Композиционный центр

    4.Группировка действующих лиц и предметов обстановки. Развертывание действия сюжета

    5.Масштаб соотношения частей композиции

    6.Цвет и освещение как элементы композиции

    7.Ритм и его значение в композиции

    8.Формат и размер композиции

    9.Выбор точки зрения

    10.Эскиз сюжетной композиции

    1.Исполнение набросков и зарисовок фигур разных людей в домашних и производственных занятиях

    2.Исполнение набросков несложных сцен с участием в них двух фигур

    3.Исполнение на основе предварительных натурных набросков двух рисунков сцен, более сложных

    4.Эскиз трех- четырехфигурной композиции

    5.Эскиз двух- четырехфигурной композиции

    6.Живописное решение композиции

    7.Одноцветный эскиз трех- пятифигурной композиции

    8.Эскиз композиции сюжетной картины на свободную тему

  • Беседа о художественном образе
  • Замысел картины и разработка сюжета
  • Практические советы
  • Заключительная беседа
  • ПЛАКАТ

  • Плакат.

    Вводная беседа.

  • 1.Эскиз несложного орнаментально- текстового плаката

    2.Эскиз изобразительно- текстового плаката

    3.Эскиз плаката с изображением людей

    ПЛАСТИЧЕСКАЯ АНАТОМИЯ

    1. Череп в разобранном виде
    2. Череп спереди
    3. Череп сзади
    4. Череп в различных положениях
    5. Мускулы головы и шеи спереди
    6. Мускулы головы и шеи сзади
    7. Мускулатура. Рисунок Рубенса
    8-9. Античная скульптура "Умирающий галл", и положение скелета фигуры "Умирающего галла"
    10. Скелет человека спереди
    11.

    Картины для гостиной — какие выбрать? 80 фото вариантов дизайна

    Скелет человека сзади
    12. Скелет человека сбоку
    13. Положение скелета фигуры сидящего натурщика
    14. Положение скелета бросающего копье
    15. Схемы, показывающие расположение отдельных частей скелета при различных движениях
    16. Мускулатура тела спереди
    17. Мускулатура тела сзади

    Другие книги

    Декоративная живопись

    Декоративность, декорация, декоративная живопись, декорировать – все эти слова происходят от латинского «decoro», что значит «украшаю». И правда, основной задачей декоративной живописи является украшение предмета, здания, интерьера, то есть она напрямую связана с произведениями архитектуры и прикладного искусства. Именно эта основная черта декоративной живописи определяет сюжет, технику исполнения.

    В отношении архитектуры обычно применяют термин «монументальная живопись», это значит, что это огромные, неразрывно связанные с архитектурным объектом, изображения. Декоративную живопись можно считать началом всех видов живописи. Первые наскальные изображения, появившиеся в эпоху палеолита и служившие для украшения жилища, были схематичными, упрощёнными, стилизованными, что является другой неотъемлемой чертой декоративной живописи. Временем расцвета декоративной живописи можно считать эпоху античности, когда каждый предмет быта и почти каждая стена и даже полы были украшены каким-либо орнаментом, рисунком, мозаикой.

    Современная декоративная живопись, это не только орнаменты на тарелках, но и удивительные произведения декоративно-прикладного искусства, росписи интерьеров, украшение фасадов домов, картины. Сейчас существует огромное разнообразие материалов, техник, которые дают возможность реализовать самые различные и оригинальные идеи.

    Декоративность – это совокупность художественных свойств, усиливающих эмоциональную выразительность и организационную роль произведений пластических искусств в окружающей предметной среде. Художественные приёмы, определяющие декоративность произведения искусства, разнообразны и особенны для каждого вида искусства. Важную роль в создании эффекта декоративного изображения играют декор (орнамент или его детали), выразительность природной фактуры материалов и присущих им особенностей пластической формы, композиции, цветовых пятен, их интенсивность, выразительность красочного мазка и др. Декоративность является одним из главных художественных средств произведений декоративно-прикладного искусства. Она присуща и произведениям изобразительного искусства, как станковым, так и монументальны, связанным с архитектурным пространством, внешним и внутренним. В этом случае декоративность играет скорее второстепенную роль, подчиняясь общему замыслу, сюжету изображения и общей идеей самого пространства, для которого предназначено произведение искусства.

    В изобразительном искусстве композиция декоративного произведения считается полноценной, при условии сбалансированности содержательного и декоративного начала. Одним из ярких примеров такой сбалансированной декоративной живописи являются росписи критских дворцов и храмов. Древняя декоративная живопись очень стилизована, напоминает орнамент, её формы упрощены и канонизированы, фигуры расположены в ряд и подчинены ритмам и структурным направлениям – вертикали, диагонали и горизонтали.

    Родственна декоративной живописи работа примитивистов. Красота картин примитивистов достигнута по средствам отказа от простого копирования натуры. Природные формы передаются в упрощённом, плоскостном виде, изображение плоскостное, цвета локальные. Классическими примерами декоративной живописи могут служить иконы, фрески, мозаики и витражи.

    Декоративная живопись – это способ изображения реальных предметов путём выявления самых выразительных особенностей средствами колорита и пластическими приёмами, связанными с обобщённостью, стилизацией, упрощением, орнаментацией, с соблюдением меры условности изображения, отказом от множества подробностей, превращая поверхность картины в симбиоз цветовых пятен – символы или знаки.

    Любая композиция строится, следуя разнообразным закономерностям, а декоративная композиция нуждается в них особенно. Над такими закономерностями работали художники-педагоги Ю. Герчук, К. Даглдиян, Ю. Жегин, Л. Молчанов, Р. Па­ранюшкин, Н. Ростовцев, Е. Шорохов и др. Каждый автор относит разные приёмы, законы, правила и признаки, на которые опирается художественно-смысловая идея, сюжет. Г. Панксенов в своей книге «Живопись форма, цвет, изобра­жение» выделяет формальные средства композиции: пропор­ции и формат, композиционный масштаб, метрометрические построения, контраст, нюанс и феномен цвета, которые в свою очередь основываются на психологии зрительного восприятия.

    Репродукции картин для интерьера — атрибут дизайнерского искусства!

    Р. Паранюшкин к приемам и средствам композиции относит группировку, членение, формат, масштаб и пропорции, ритм и метр, композиционные оси, цвет, фактуру. Ю. Герчук добавил бы ко всему этому вертикаль, горизонталь, симметрию, покой, движение.

    Кроме основных законов и приёмов композиции, декоративная живопись опирается на присущие только ей признаки: узорчатость (цветовые и тоновые соотношения), условное посторенние пространства (взаимодействие ритмов, контрастов), орнаментальность, стилизация.

    Первый признак – узорчатость. Она воспринимается как соотношение форм светлых и тёмных пятен. Особую роль играет выразительность силуэта, красота контуров и линий фигур. Важной частью красочной поверхности чистого цвета в декоративной живописи является фактура, которая может передать разнообразие выразительных черт визуального мира, передаваемого на картине. Важно правильно определять колорит изображения, так как цветовые решения часто связаны с традициями, национальными архетипами.

    Следующий признак декоративности – это условность. Условность – это способ обобщения, предполагающий повышенную эмоциональность образа и рассчитанный на такой же эмоционально-экспрессивный отклик зрителей. Цель условности – передача в наиболее выразительной форме главное, выявить смысл, вложив в его наиболее экспрессивное выражение.

    Во всех композициях присутствует художественное пространство в той или иной форме. А вот воспринимается это пространство по-разному, это сложный психический процесс, поэтому различны способы наиболее выразительной передачи пространства. В одних случаях художники применяют обратную перспективу для большей выразительности. В декоративной живописи в основном используется условно-плоскостное пространство византийского, древнерусского и восточного искусства – это сфера «малой глубины» пространства картины. Этот способ изображения пространства в декоративной живописи рассматривается не как оптическая иллюзия трёхмерного пространства, а как выразительное средство для передачи цветовых масс, форм и объёмов на плоскости картины. В таком случае пространственные отношения между предметами в реальности могут почти полностью игнорироваться. Натюрморт, например, может изображаться не в глубину, а вверх, таким образом, задний план окажется не за, а над передним.

    В основе декоративной живописи лежит конструкция. Конструкция – это организация построения формы, её каркас. Конструктивный рисунок создаётся с помощью диагональных, вертикальных, горизонтальных и дугообразных структур, определяя композиционную схему произведения, которая потом обретает содержательность.

    Достижение выразительности в декоративной живописи связано с тоновыми и цветовыми контрастами, контрастами величин, выразительностью фактур и материалов, объёмов и плоскостей, ритмической организацией форм, линий, деформацией – изменением пространства и формы предметов в изобразительном искусстве.

    Декоративную живопись можно сравнить с орнаментом, где обязательна связь элементов между собой не только там, где она необходима, в повторяющихся частях, но и в узоре цветовых пятен, свободно заполняющих плоскость.

    Стилизация – это процесс подчинения формы внешним условиям, задачам художника, обобщение цветового пятна, формы, пространства. Существует множество различных способов стилизации. Максимальное обобщение формы и её окружения способны превратить вполне обычный предмет в символ, изображая суть предмета, а не сам предмет. Стилизация позволяет менять форму, разделяя её на отдельные детали, а затем конструируя из них новое изображение, не всегда используя все детали, а только часть их. Важно найти правильное цветовое и тоновое соотношение изображаемых форм и фона, потому как именно они важны при стилизации.

    Каждое из перечисленных выразительных средств в декоративной композиции имеет своеобразие.

    Выразительное декоративное живописное изображение может иметь следующие особенности:

    1. Изменение пропорций предметов и пространственных отношений между ними, нарушение перспективы или полное её отсутствие.

    2. Изменение формы предмета через усиление наиболее выразительного характерного в предмете, совмещение обобщённых и детализированных образов, потому что один объект лучше виден, контрастируя с другим.

    3. Частично или полностью отказ от объёмного изображения формы предметов (сочетание объёма и плоскости, или силуэтное изображение). Один и тот же объект может изображаться под разным углом.

    4. Поиск новых колористических отношений: декоративно-экспрессивных возможностей цвета, использование активных сочетаний цветов, выявление фактур, локальных цветовых пятен, присутствие контура.

    5. Орнаментация плоскости и предметов, пространство приближается к плоскостному, все части, детали объекта сплетаются в единый орнаментальный узор.

    6. Аналитический подход или творческая интерпретация натуры, то есть способ изображения предметов с предварительным разложением их на простейшие части, изображая внутреннюю структуру предмета.

    Декоративность живописного изображения определяется грамотным распределением по поверхности живописного изображения больших и малых пятен, их светотеневой и цветовой исходной точкой, правильным использованием орнаментальных мотивов и ритмов, украшающих плоскость. Так с помощью выразительных средств живописи эстетическое изображение человеческого чувства, реального объекта, или отношения человека к предмету, несмотря на условность, декоративная живопись повествует о природе, людях, истории, в ней зашифрован смысл и живые образы, иногда их можно легко распознать, а иногда нет.

    Модерн

    Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Стиль модерн следует строго отличать как от общего понятия «современный», так и от понятия «модернизм». Основной признак модерна – декоративность во всём, основной мотив – вьющиеся растения, основной принцип – сделать так, чтобы рукотворное выглядело естественным, природным. Всё это нашло отражение в архитектуре, деталях зданий, в произведениях декоративно-прикладного искусства, в живописи и так далее.

    Модерн стремился удачно сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений искусства, сделать прекрасным все сферы деятельности человека. Поэтому художники обратились к прикладным искусствам – дизайну интерьеров, керамике, книжной графике, ювелирному делу, стремясь создать единую среду.

    Период Модерна довольно короток и имеет достаточно чёткие границы – от конца 1880-х до 1914 года, когда началась Первая мировая война, которая прекратила естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило быстрое переосмысление всего художественного опыта, всех художественных форм и приёмов, слияние различных видов и жанров для образования чего-то нового. Художники модерна бесстрашно ломали привычные нормы и границы. Главным стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, фактур, синтезу различных источников во что-то качественно новое.

    В 1860-1870-е годы в Европе царствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих стилей, смешивании их в одном месте, произведении, изображении.

    В 1880-е годы работах разных мастеров стал проявляться новый стиль, который противостоял эклектизму новыми художественными приёмами. Уильям Моррис (1834-1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые природными формами, растительностью, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал изящные вьющиеся узоры в книжной графике.

    Большое влияние на стиль модерн оказало, ставшее более доступным в то время на Западе, искусство Японии. Художники модерна также вдохновлялись искусством Древнего Египта, Византии и других древних цивилизаций.

    В модерне можно выделить два основных направления – конструктивное (Австрия и Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). В некоторых странах, например, в России и Германии, на стиль сильное влияние оказали национальные традиции. Разделение же самого искусства модерна на отдельные периоды и стили весьма условно. Как ни один другой стиль, модерн соединил в себе столько различных стилей, направлений и традиций, что даже специалисты затрудняются определить где заканчивается эклектика и начинается модерн.

    Самой яркой чертой модерна стал отказ от прямых линий и углов в пользу природных изогнутых линий. Многие художники модерна брали за основу своих рисунков примеры из растительного мира. Также широкое распространение получило применение новых технологий (например, железобетонных конструкций в архитектуре), использование металла и стекла.

    В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

    Сильно поспособствовало распространению модерна проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировали все новейшие достижения технологий, прикладного и изобразительного искусств. Максимальную известность модерн получил на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Правда, уже в 1910 году значение модерна стало угасать.

    Стиль Модерн имел несколько основных направлений:

    • Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей.
    • Неоклассицизм
    • Рационализм, направление с преобладанием более простых форм
    • Иррационализм
    • Кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича.
    • Модерн венский, берлинский, парижский, в России и Восточной Европе — московский, петербургский, рижский, провинциальный и так далее.

    Большое влияние на развитие архитектурного стиля модерн имели работы знаменитых художников и скульпторов этой эпохи, таких как Густав Климт, Альфонс Муха, М. А. Врубель, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, скульпторов, таких как Огюст Роден, Камилла Клодель и другие.

    Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались. В итоге, интерьер представлял собой единый ансамбль.

    Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Для живописи модерна характерны «ковровые» орнаментальные фоны и натуралистические фигуры и детали (Густав Климт), силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью отличаются скульптуры этого периода, виртуозной игрой хрупких линий – книжная графика. Большая часть художественных открытий и достижений модерна принадлежать XX веку. В конце XIXстолетия с зарождающимся стилем в той или иной мере были связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы "Наби" во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.

    Символизм оказал сильное влияние на живопись и скульптуру модерна, который стремился переходить от традиционных форм к новейшим европейским течениям, носившим иногда условную принадлежность к той или иной стране.

    Художники модерна использовали в своём творчестве разные формы: греческую архаику, крито-микенское искусство, античную классику, искусство Китая и Японии, Готику, Ренессанс, искусство этрусков и Рококо. Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Стремление к целостности пластических внешних и внутренних, декоративных и конструктивных частей изображения, динамика и текучесть форм и линий и есть отличительные особенности стиля Модерн.

    Художники эпохи модерна стремились к стилистическому единству: картины, шпалеры, украшающие стены, мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда и ювелирные украшения – вообще всё, что находится в оформляемом ими пространстве, соответствовало единой стилистике. В модерне широко использовалась декоративность и плоскостность изображения, вьющиеся, гибкие линии, узоры и орнаменты. И было не важно, для чего предназначен такой декор – для пары серёжек или для фасада здания.

    Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно в модерне рассматривались как часть интерьера, придавали ему новую эмоциональную окраску, поддерживали его целостность. Поэтому декоративность стала одной из главных отличительных средств живопии модерна.

    Для живописи модерна очень характерно сочетание декоративность, «ковровых» фонов и очень реалистичных, проработанных фигур и лиц (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель, А. Муха), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких прописанных нюансов (М. Врубель, А. Бенуа). Все эти художественные приёмы придавали картинам большую выразительность. Символизм также привнёс в живопись модерна большой вклад; широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики, также художники обращались к миру сна, легенд, сказок и т.д. Одним из ярких представителей такого символического модерна был Густав Климт. Модерн был распространён по всей Европе и Америке: Австрия, Великобритания, Германия, Франция, Италия, Россия, Бельгия, Голландия, США и др.

    Одним из основоположников французского модерна считается Поль Гоген и художники его круга. Также одним из известнейших мастером модерна во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Также одну из важнейших ролей сыграло творчество чешского декоратора Альфонса Мухи. В Испании большую известность за свои оригинальные индивидуальные проекты получил Антонио Гауди.

    Черты, характерные для модерна, в Великобритании появились уже 1880-х годах. Одним из наиболее известных художников модерна был Обри Бёрдсли, который занимался книжно иллюстрацией. Одним из главных представителей модерна в Великобритании был шотландский архитектор Ч. Р. Макинтош. Он выполнял самые различные художественные работы от проектирования зданий до дизайна обоев и оказал огромное влияние на развитие архитектуры и искусства всей Европы.

    В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.

    Об авторе admin

    Добавить комментарий

    Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *